El legendario cantante estadounidense James Brown, conocido como "el padrino del soul", ha muerto hoy, a los 73 años, en un hospital de Atlanta, según ha informado su agente. Brown, pionero de la música soul y un revolucionario del ritmo, falleció a la 1.45 hora local (07.45, hora peninsular española) en el Emory Crawford Long Hospital, en el que había ingresado ayer a consecuencia de una neumonía severa. Célebre por voz imponente y sus frenéticos movimientos, Brown se hizo famoso con títulos como I Got You (I Feel Good), Papa's Got a Brand New Bag, Please Please Please y Living in America. En el momento de su muerte, Brown se encontraba junto a su amigo y compañero de trayectoria musical Charles Bobbit. Su sentido innovador del ritmo le convirtió en uno de los músicos estadounidenses con mayor influencia de la década de los 50, junto a nombres como Elvis Presley y Bob Dylan. Se le considera no sólo el padre del soul, sino que su música contribuyó a crear estilos como el rap, el funky o la música disco. Mick Jagger, Michael Jackson y David Bowie, entre otros, reconocieron haberse inspirado en el legendario Brown.
En Navidad también suceden malas noticias. Despidámonos de él con una sonrisa:
La minúscula parte de la humanidad que representamos es privilegiada. A pesar de ello, hay quien sufre despiadadamente. Otros, sin embargo, tenemos problemas algo más banales:
LOU REED PRESENTA 'BERLIN' 33 AÑOS DESPUÉS. El cantante y compositor neoyorquino interpretará por primera vez en directo 'Berlin', su segundo álbum en solitario, creado hace 33 años. Del 14 al 17 de diciembre, Lou Reed interpretará las 10 canciones del disco en el St. Ann's Warehouse de su Brooklyn natal. Las actuaciones han levantado un gran interés entre los seguidores del artista, hasta el punto de que las entradas están agotadas desde hace semanas. Para la ocasión, Reed ha preparado un montaje multimedia que le acompañará en el escenario para dar vida a 'Berlin', la historia de amor de dos drogadictos, Caroline y Jim, en la ciudad alemana que da nombre al disco. Reed trata en sus letras temas como la violencia doméstica, la adicción a las drogas, el adulterio, la prostitución o el suicidio.
Lou Reed, el príncipe del rock independiente, el adelantado a su tiempo, presenta una de sus grandes joyas con un poco de retraso. A pesar de ello, la gente está encantada. Y no es para menos: Berlin, junto con Transformer y el primer disco del inmortal grupo The Velvet Underground (que fundó con John Cale, Maureen Tucker y Sterling Morrison, y cuyo nombre proviene de un libro de sadomasoquismo), suponen un antes y un después en la historia de la música moderna. Pero, ya que al protegido de David Bowie nunca le gustaron los halagos ni las atenciones de los periodistas, no procede comentar nada más.
Un precioso fragmento de Berlin (atención a la letra, en el año 1973):
El supuesto experimento de dos de los pesos pesados nacionales tiene un claro vencedor. Bunbury & Vegas, El tiempo de las cerezas, veinte canciones, diez cada uno, en rigurosos turnos alternados. En un principio, se espera la gravedad de Vegas y el gamberrismo de Bunbury, pero éste último patina. Mientras que a Nacho Vegas la presencia de Bunbury le conduce a una evolución instrumental muy apreciable, al segundo la jugada le sale mediocre. Aún así, el maño tiene sus grandes momentos, como El callejón sin salida, Látex o En la espina dorsal del universo; porque, eso sí, cuando se pone, lo borda. El tedio se apodera del resto de los temas del showman, con letras muy enrevesadas que no consiguen transmitir mucho, además de poca originalidad en su música. Recuerda demasiado a El viaje a ninguna parte, viaje del que todavía no parece haber regresado. El asturiano más indie se desata con un estilo más agresivo; tan pesimista como siempre, pero con un ritmo más vivo y más mala leche. Realiza un trabajo estupendo: una composición vocal sobresaliente, con unos estribillos tremendamente efectivos, por esta vez sin someter la instrumentación a la lírica, sino mucho más complementadas. Todas sus canciones tienen algo de esa magia que le falta a las del de Zaragoza. Muy curiosa Montenegra, con un estilo que recuerda a Yann Tiersen. También a destacar Días extraños, El cazador y una sobrecogedora Bravo (la original es del yucateco Luís Demetrio). Notable alto para Nacho. Enrique aprueba por los pelos.
Choose life. Choose a job. Choose a career. Choose a family. Choose a fucking big television, choose washing machines, cars, compact disc players, and electrical tin openers. Choose good health, low cholesterol and dental insurance. Choose fixed- interest mortgage repayments. Choose a starter home. Choose your friends. Choose leisure wear and matching luggage. Choose a three piece suite on hire purchase in a range of fucking fabrics. Choose DIY and wondering who you are on a Sunday morning. Choose sitting on that couch watching mind-numbing spirit- crushing game shows, stuffing fucking junk food into your mouth. Choose rotting away at the end of it all, pishing your last in a miserable home, nothing more than an embarrassment to the selfish, fucked-up brats you have spawned to replace yourself. Choose your future. Choose life... But why would I want to do a thing like that? I chose not to choose life, I chose something else. And the reasons? There are not reasons. Who needs reasons when you have heroin?
Algunos habréis reconocido este texto como el comienzo de la fabulosa Trainspotting(en inglés)(en castellano), y de la que podría decir, una de las mejores películas europeas de los últimos 20 años, pero como no tengo ni idea de cine, prefiero ahorrarme ese comentario. No he encontrado una mejor introducción para adentrarme en la faceta más oscura del rock’n roll: las drogas. Una afición que llevó a la tumba a un inmenso número de artistas (la lista es interminable). Se pueden encontrar infinidad de canciones con alusiones a la ingestión de drogas, sus efectos, e incluso en contra de ello. Por eso, me ha apetecido recoger en este comentario algunas de las que creo más relevantes, más sorprendentes, más interesantes; no hay ningún otro propósito. Alcohol, marihuana, ácidos, setas, anfetaminas, speed, cocaína, crack, heroína,… cualquier cosa vale. Feliz viaje. ¿Y mis fuentes? No hay fuentes. ¿Quién necesita fuentes cuando tienes wikipedia?
The Beatles – Lucy in the Sky with Diamonds La archifamosa canción más controvertida de los grandes entre los grandes. Todos los miembros de los Beatles han negado sin cesar los rumores de las alusiones a las drogas en sus canciones, además de negar su consumo. En este tema hablan de “cielos de mermelada”, “flores de celofán”, “taxis de periódicos”, o “porteros de plastilina con corbatas de cristal”. Pero hay mucho más escondido: El título encaja con el acrónimo LSD (ácido altamente alucinógeno), y Lucy es uno de los sobrenombres típicos de dicho alucinógeno. Lennon explicó el título de la canción hablando de que su hijo trajo un día un dibujo de una amiga suya del colegio, Lucy, y lo tituló “in the sky with diamonds” (aquí se puede ver). Se podrían escribir libros enteros de esta canción. Por eso es estupenda. Por eso, y por ser la primera en canción de rock en donde se utilizaban dos métricas diferentes, 3/4 para la mayor parte de la canción, y 4/4 para el estribillo.
Pink Floyd – Shine on you Crazy Diamond El grupo escribió este tema faraónico para honrar al genial Syd Barret, miembro fundador del grupo, cuya adicción a las drogas lo llevó a abandonar el grupo, y después a la abstracción y la locura. Se trata de uno de los homenajes más sentidos de la historia del rock. “Crazy diamond” se refiere a la canción anterior, y a la adicción de Barret al LSD, entre otras drogas. La canción dura más de 30 minutos, divididos en 2 cortes del álbum Wish you were here.
The Rolling Stones – Sister Morphine Una desgarrada balada, en donde una sobredosis acaba mandando a su protagonista al hospital suplicando por un pinchazo de morfina (“Please, Sister Morphine, turn my nightmares into dreams”) a “médicos sin cara”, para poder esperar la muerte sin dolor. Una canción escrita en su totalidad por Marianne Faithful, la gran diva de Mick Jagger, y relacionada con su adicción a la heroína, que probablemente podría ser biográfica tanto para Jagger como para Keith Richards. Se encuentra en el genial álbum Sticky Fingers, todo él repleto de alusiones, explícitas o sutiles, al consumo de drogas. Una versión alternativa sugiere que el protagonista sufre un accidente de coche en vez de una sobredosis, pero esto poca gente se lo cree.
David Bowie – Space Oddity Esta canción posee múltiples interpretaciones. La más extendida, y la más obvia, es que está basada en 2001: a space odyssey, la novela de Arthur C. Clarke y posterior película de Kubrick. Esto es muy cierto. Pero también hay otros hechos muy ciertos: la canción es de 1969, en plena época adictiva de Bowie. El protagonista de la canción, el astronauta Major Tom, pierde contacto desde su nave espacial con el control de tierra, algo interpretado como una desconexión de la humanidad mediante la ingestión de drogas. Además, al principio de la canción Major Tom toma unas píldoras ("take your protein pills and put your helmet on") y más adelante unos versos parecen sugerir que sufre efectos alucinógenos ("and I'm floating in a most peculiar way / and the stars look very different today"). La canción puede simbolizar un “mal viaje”, del que el protagonista es incapaz de recuperarse y volver a la realidad.
The Velvet Underground – Heroin Lou Reed es uno de los personajes más enamorados de la droga en la música moderna. A pesar de ello, aún sigue con vida, y produciendo buenos discos. Este tema es absolutamente crudo, sin ningún doble sentido, sin ninguna doble interpretación. Se trata de una canción de amor a la heroína (“she’s my wife, and she’s my life”), repleta de nihilismo absoluto hacia todo lo que le rodea (“And you can't help me now, you guys/And all you sweet girls with all your sweet talk/You can all go take a walk”), y dispuesto a afrontar todas las consecuencias (“I’m gonna try to nullify mi life […] Heroin, be the death of me […] and then I’m better off and dead”) Además, demostraba ser consecuente inyectándose dosis en algunos conciertos.
J. J. Cale / Eric Clapton – Cocaine Una de las pocas canciones en contra del consumo de drogas. Famosísima, alcanzó la fama cuando Clapton la versionó, pues la original era de J. J. Cale, y los medios musicales de la época decidieron no buscarse problemas (pues también puede entenderse como una oda a la cocaína, algo que Clapton se encargó de desmentir más adelante, incluso refiriéndose en sus conciertos a ella como “that dirty cocaine”). Pero cuando un artista de la talla de Clapton la hizo suya, no tuvieron más opción.
The Red Hot Chili Peppers – Under the bridge Escondida en una supuesta canción homenaje a Los Ángeles, la ciudad natal de los miembros del grupo, lo cual es cierto, se encuentran referencias muy claras a la época adictiva de Anthony Kiedis, empezando por el propio título, que se refiere a los chutes de heroína que se inyectaba bajo un puente junto con un miembro de la mafia mejicana, y en el verso (“Under the bridge downtown/Is where I drew some blood”).
La música recorre deprisa 300 kilómetros. Concretamente, tarda 14.7 minutos. Y de entre todos esos ecos veloces, se encuentran algunos interesantes. Algunos, además, tienen carta de presentación:
3 discos. El último, Máquinas románticas. Gran instrumentación y mucho sentido del humor para la gran sensación del glam rock español. Ya están aquí Circodelia, nena… cortesía de 300 kilómetros, y a partir de ahora, de los 40 principales.
Al final se descubren. Muse entierra su dependencia de Radiohead y firma un álbum memorable. Ya no cuesta reconocerlos. Un disco de sonidos épicos, limpios y eléctricos, densos de instrumentación y con Bellamydesatado en su expresión sentimental, abandonando la ñoñería. Han encontrado su sitio. La joya, un videoclip hortera y de chiste para Knights of Cydonia, una canción muy seria.
Follow the city lights ha traído revuelo. El cambio de rumbo de Dover no parece haber contentado a sus fans de toda la vida. La inclusión de percusión y sonidos discotequeros se les ha atragantado. Se ha hablado de giro comercial a su música, de una traición a su estilo, de decepción, de ridículo…
Ardo en deseos de hacer unos cuantos comentarios al respecto:
Lo primero es que yo solamente conozco un disco de Dover que NO sea comercial, y es el primero, Sister; que por cierto me parece el de menor calidad, debido especialmente al inglés de Amparo, bastante patatero (por suerte, ha mejorado muchísimo en ese aspecto con los años). Y este último disco no me parece más comercial que el resto (tampoco entiendo muy bien por qué este hecho ha de hacerlo mejor o peor). También he de decir que tampoco tengo mucho aprecio por el sonido Dover “de toda la vida”. Creo que Devil came to me es un disco realmente bueno, y bastante comercial, por cierto, pero el resto pasan sin pena ni gloria por mi reproductor… y precisamente uno de los grandes defectos que pienso que tienen es que son fotocopias los unos de los otros. Así que romper con el sonido “de toda la vida” es lo mejor que podían haber hecho, desde mi punto de vista. Además, tampoco es para tanto: el que diga que los Dover de ahora no tienen nada que ver con los de antes, una de dos: o no ha escuchado los discos anteriores, o no ha escuchado el nuevo. Las mismas guitarras siguen siendo preferentes, la voz y las letras son similares, incluso en Shine on me o Dear McCartney tienen baladas resultonas, de esas que tan buen resultado les ha dado y que saben hacer tan bien, Salvation recuerda a Loli Jackson terriblemente, y etcétera. El disco es de fácil y agradable escucha, y aunque suene un pelín repetitivo, desde luego tiene elementos nuevos que se agradecen, aunque sin pasarse.
Vale, hasta aquí lo bueno. Pasemos a lo malo:
Se nota que no tienen nada de soltura con la componente electrónica. En general suena correctito, pero a veces la percusión me recuerda al disco pop & dance del Blanco y negro mix… Menos de 35 minutos a 15 o a 18 euros. Calculad el precio del minuto. Espero que algún día se den cuenta de su error y canten en castellano. El vídeo musical de Let me out es cutre hasta decir basta. Y en este caso sí que reconozco que parece especialmente diseñado para los 40 TV. Juzgad vosotros mismos.
En resumen, creo que el disco se merece una escucha. Y en esa escucha se oye lo bueno y lo malo de Dover. El problema es que a veces lo malo supera con creces lo bueno. Que cada uno escoja con lo que se quiere quedar.
A pesar de tener sus orígenes en los años setenta (su nombre originario es derivado de las discográfica Industrial Records, creada por el grupo Throbbing Gristle), la explosión definitiva de la música industrial tiene dos nombres propios de la década de los ochenta: Ministry y Nine Inch Nails.
Ministry fueron pioneros en fusionar el más puro sonido punk británico y thrash americano con elementos de una floreciente música electrónica, elaborando un sonido tremendamente inaccesible, repleto de sonidos mecánicos, distorsión, bases muy electrónicas y voces de ultratumba. A destacar su disco The land of rape and Money. Su escucha es compleja, pero se puede adivinar su valentía y la gran influencia que este grupo ha tenido en diversos estilos y conjuntos posteriores, desde el hardcore al jungle, y por supuesto en el rock moderno.
Ahí es donde Nine Inch Nails toma el relevo. Utilizando la electrónica, pero con un papel algo más secundario, Trent Reznor y compañía pueden considerarse en gran medida los padres de la variedad industrial del rock, el, obviamente, rock industrial. Un verdadero grupo de culto, en donde las guitarras tienen un papel preferente, pero, a pesar de su distorsión, con un sonido limpio, con melodías diferenciadas, en ocasiones pausadas y en otras frenéticas, con una voz potente que marca el tempo de las canciones, susurrantea menudo y desgañitándose cuando hace falta. No faltan las canciones instrumentales con gran descarga emotiva, ni la crítica política despiadada. Reznor, es de hecho, un personaje polémico. Pongo como ejemplo la gala de MTV 2005, en la que pretendía actuar con una imagen de George W. Bush en las pantallas a su espalda, interpretando The hand that feeds; sin embargo, esto no gustó a los organizadores, y ante la negativa de su petición, renunció a la actuación, declarando: “aparentemente, la imagen de nuestro presidente le resulta tan ofensiva a la MTV como lo es para mí”(más aquí). Da la impresión de que todo en ello es apasionado. No hay que perderse sus discos Pretty Hate machine y The Fragile. Un grupo absolutamente imprescindible.
Otro de los gurús es, sin duda, Maynard James Keenan, o lo que es lo mismo, Tool. Si hay alguna palabra que defina este grupo es “matices”. Todas sus composiciones están repletas de ellos, cada sonido que parece azar está exactamente donde debería estar, todo está pensado. El trabajo de estudio en este conjunto es siempre soberbio. Más progresivos que NIN, aquí las guitarras son más pesadas, lentas, complejísimas, repletas de detalles. El bajo cobra mucha importancia, contundente. Maestros del palm muting, dominadores por completo del ritmo de la canción, capaces de elaborar temas de 11 minutos sin aburrir. Ænima, Lateralus y 10000 days, su trabajo de este año, son auténticas perlas. Una versión algo más descafeinada de ellos es A Perfect Circle, con Maynard también como cabeza visible.
Otros grupos de sonido industrial pueden ser Filter (¿os suenan de la banda sonora de Spawn?), Mi Life with the Thrill Kill Kult, y Queensrÿche; con un sonido más electrónico, Meat Beat Manifesto o Atari Teenage Riot (aunque estos últimos rozando el hardcore).
La variante más famosa sin ninguna duda del estilo industrial es el metal industrial. Se trata de apretar un poco más, de aumentar distorsión, fuerza, ritmo y agresividad, pero tampoco sin mucho exceso. Esto último es, precisamente, a mi modo de ver, su gran virtud: llegar al límite sin rebasarlo. Para mí es el estilo más interesante de todo el metal. Y los grupos que todo el mundo conoce son Marilyn Manson, Rammstein o Fear Factory.
El mejor disco para aproximarse a este estilo (algo que reconozco que no es fácil) es una banda sonora, The Matrix. Un estilo musical que encaja perfectamente, desde mi punto de vista, con la estética y temática de la película. Y para muestra, os dejo la canción de Rob Zombie que suena en la escena de la discoteca en la cual Neo conoce a Trinity (¿recordáis?: Follow the white rabbit…)
Hace mucho tiempo del último despegue, y muchos quedaron atrás. Pero ignorando esta gran brecha temporal, volvemos al presente:
Lanzamientos (posiblemente) interesantes de las últimas, o próximas, semanas:
- Audioslave: Revelations. Tercer disco del supergrupo americano. No tiene muy buena pinta tras un par de escuchas ligeras… - Basement Jaxx: Crazy Itch Radio. Cuarto disco de unos grandes del House (y son londinenses, por supuesto). - Kasabian: Empire. Recomendado para los fans de Oasis. Éste es un grupito muy pero que muy interesante. Es su segundo disco. Y se acaban de quedar sin guitarrista, así que si alguien tiene arte de tunero con la bandurria, ya sabe lo que tiene que hacer… - Mastodon: Blood Mountain. “Blood Mountain is everything fans both hoped for and feared”. Con un metal complejísimo, vuelven más relajaditos, pero igual de indomables, y ¡oh sorpresa! No son nórdicos, son estadounidenses. - Muse: Black Holes & Revelations. Este disco ya salió en Junio, pero hombre, para uno bueno de verdad que hacen… hasta hace poco, eran (únicamente) conocidos por su gran habilidad de clonación con Radiohead (es un decir). - Mushroomhead: Savior sorrow. Estimados fanáticos de Slipknot: lo lamento, el rollito de las máscaras no se lo inventaron vuestros adorados amiguitos; fueron éstos otros. - Primal Scream: Riot City Blues. Gran disco de Gillespie y compañía, mucho más rockero que lo acostumbrado últimamente. Aumentan más y más su leyenda. - DJ Shadow: The outsider. Su nombre es sinónimo de revolución. El hombre de las remezclas imposibles vuelve con su tercer largo. Todavía no lo he disfrutado, pero casi todo lo que toca este tipo se convierte en brillante. - Tortoise: A Lazarous Taxon. Reconocido y exótico grupo de rock “instrumental”. Por lo visto, no es éste uno de sus mejores discos. Estoy descubriéndolos ahora. - Yo La Tengo: I am not afraid of you & I will beat your ass. Nuevo disco de los popitos más elegantes; bastante más divertidos que Belle & Sebastián, dicho sea de paso.
Thom Yorke, esa genial mente atormentada, sacó en Julio su primer disco en solitario, The Eraser. Este álbum tendrá, para muchos, una grandísima virtud: Que NO es el nuevo disco de Radiohead. Pero a otros nos gusta escarbar un poco más en su mirada perdida.
Se trata, en parte, de una vuelta a las andadas de Kid A y Amnesiac, de su cabeza de radio. Melodías para el lucimiento de su inmejorable voz y composición, completamente envueltas en ese halo electrónico tan misterioso e inconfundible que sólo él y sus secuaces, para bien o para mal, saben crear. Con la diferencia de que esta vez camina sin su banda, pero de la mano de su productor de toda la vida, Nigel Godrich.
Experimentando como casi nadie en el rock, y mucho más allá, parece moverse en mundos diferentes al resto de sus colegas contemporáneos, y, con frecuencia, da con la tecla. Otras veces, no. Y The Eraser está compuesto de ambas posibilidades. En su mayor parte, requiere algo de concentración en la escucha, pero aún así no alcanza los niveles de abstracción a los que anteriormente nos forzaba. Los grandes momentos, reservados para Harrowdown Hill, Analyse y And it rained all night. La metafísica, para Cymbal Crush y Atoms for Peace.
You will be dispensed when you become inconvenient
Superándose a sí mismos, dejando atrás su antigua pose andrógina y glam, ya tan manida, y dando un golpe de mano a base de ambientes lúgubres, profesionalidad, rabia y autoflagelación, Placebo me ha desarmado. Y es que Medses soberbio.
Me ha molestado enormemente el encumbramiento que han recibido Brian Molko y los suyos a lo largo de los años, disco tras disco, adorados, hasta la náusea desde mi punto de vista, por grandes voces de las revistas musicales más influyentes. Y precisamente en este nuevo trabajo, que ha gustado y desagradado a cantidades iguales, es cuando me han disparado a quemarropa, han conseguido emocionarme y hacerme disfrutar como pocos discos lo han logrado.
Una acertadísima mezcla de sonido acústico y eléctrico, y con la voz de Alison Mosshart de The Kills en Meds, se abre el disco de forma espectacular. Su estilo característico, pero a un nivel altísimo, en Post Blue, One of a Kind y Because I want you, absolutamente intrascendente la actuación de Michael Stipe (R.E.M.) en Broken Promise (probablemente la más floja del disco), baladas desgarradas como Follow the Cops Back Home, Blind o Pierrot the Clown, estremecedor Molko en Space Monkey, y el final perfecto en Song to Say Goodbye. Y todas suenan de maravilla en directo. Aquí hay cuatro o cinco canciones monumentales, que nunca te cansas de escuchar. Y tal vez, con un poco de suerte, te sucede con todo el disco, como a un servidor.
¡El día grande!La condición física es verdaderamente preocupante (sin noticias de la almohada todavía), pero, ya no nos queda más que un día. Empezamos fuerte, y pronto: el gran Yann Tiersen, a las 20:00 h, y en el escenario Fiberfib (el segundo mayor) No es el entorno ideal para su música, y él lo sabe. Por ello, recurre mucho a las guitarras – de hecho, 5 diferentes, el técnico de sonido va como loco – en detrimento del resto de sus instrumentos para tratar de solventarlo. Aunque, desde luego, escuchar Monochrome en clave de guitarra no la desmerece en absoluto. Rodeado de muy buenos músicos, su originalidad no parece tener límites (¿es posible sacar música de un taladro?) Cuando empuña el violín, la carpa se tambalea, tocando con una pasión tremenda, el arco de crines se deshilacha por momentos, aplausos hasta desgastarnos las manos… También se emplea de maravilla con el xilófono, pero desgraciadamente no aparece ni el piano ni el acordeón, algo que lamento profundamente. Un gran concierto, pero aún mejorable si el marco hubiera sido otro. A pesar de todo, se lleva una ovación tremenda.
Tras engullir un Cous Cous vegetariano que me sabe a gloria junto con un litro cervecil, me dirijo yo solito a ver a Madness, que hace un concierto virtuoso y divertido (no entiendo cómo no les dio un golpe de calor ahí mismo, con traje y corbata), pero sin exageraciones. Eso sí, genial We are the Madness. Vuelve Guille, y nos planteamos como objetivo acercarnos lo más posible al escenario, ya repleto media hora antes, para disfrutar de… ¡Depeche Mode!
Y como dice Guille, Depeche Mode no hacen un concierto de festival; les importa poco el marco en que se encuentran, que Placebo vengan después…montan un show a su manera, de hora y tres cuartos, el más largo del festival. Y qué concierto: mezclando los temas de Playing the angel con maravillas como Walking on my shoes, Stripped, Personal Jesus (menuda actuación), World in my eyes, Enjoy the silence…el festival se rinde a sus pies, a todos se nos contagia la energía de Dave Gaham, que nos hace vibrar sin parar, ¡incluso le cantamos el Cumpleaños Feliz a Martin Gore!... Otro conciertazo para el recuerdo.
Pero es que ¡aún queda Placebo! Conseguimos acercarnos más, y con con 25 minutos de retraso, Brian Molko y compañía comienzan con Because I want you…creo. Otro concierto impresionante. Basado en la primera parte en Meds, su nuevo trabajo, uno de los discos del año, la ejecución ralla la perfección, a pesar de la escasa interacción con el público. Se me eriza la piel con Follow the cops back home y Song to say goodbye, el grupo me traspasa su infinita y emotiva tristeza, a mí a y a la mitad de la audiencia. Sin ser brillante, el concierto ha sido tremendamente profesional, explotando al máximo la calidad de su último trabajo y entremezclando clásicos como Special K y Every You Every Me, dándonos la puntilla con Blind. Nunca fueron santo de mi devoción, pero tras este fantástico Meds y su tremenda profesionalidad en directo, me descubro ante ellos.
Es entonces, a las 2:30, con Jennifer Cardini de fondo, cuando me doy cuenta de que llevo más de 6 horas deambulando por el recinto, sin descanso, sin sentarme siquiera, escuchando una música absolutamente sobresaliente. El cansancio ha pasado a formar parte de los mismos huesos, pero la sensación es tremendamente agradable. Físicamente arruinados, nos dirigimos como zombis hacia la tienda, y allí nos dejamos caer totalmente hipnotizados por los dos últimos días maravillosos que hemos vivido.
Pero me resisto a que esto termine, y tras una pausa de avituallamiento, saco fuerzas para acercarme, otra vez solo (aunque luego me enteré de que Guille también estuvo allí), para envolverme una última vez del maravilloso ambiente del festival, y para escuchar a unos infumables The Rakes, que trato de sacar rápidamente de mi cabeza para no arruinar el agradable embrujo musical que me rodea y me envuelve.
La degeneración física es total, vuelvo a la tienda sobre las 6 de la mañana. Estoy acabado, pero tremendamente orgulloso de haber asistido a uno de los espectáculos más importantes e irrepetibles de la música moderna en nuestro país.
Seguimos acumulando falta de sueño; a las 9, el Sol nos saca a patadas del invernadero en que se ha convertido nuestra tienda. Volvemos a recurrir a la sal y la arena, con poco éxito. Hoy se trata del supuesto día flojo del festival. Y ya que el cansancio comienza a hacer estragos, ninguno de los primeros artistas despierta mi interés.
Pero viene Morrisey a las 21:00. Con su peculiar estilo, su pop imprime un aura tremendamente melancólica y sentida al anochecer. Cada canción desprende un sabor agridulce, pero encantador. Se nota la voz y el lápiz de un gran músico de los de antes, de eso no hay duda. “We will sing you one more song and then we will leave you in the darkness”, se despide. Y menuda despedida, 10 minutos de canción, en donde los instrumentos se retiran uno por uno hasta quedar un desnudo piano que cierra un concierto tremendamente emotivo…tras semejante descarga sentimental, no queda sino echar un buen trago para recuperarse. Por el camino se ha quedado Jay Jay Johanson: típico ejemplo de daño colateral.
El casi infinito cansancio nos hace perdernos, desgraciadamente, The Kooks. Pero no se nos pueden escapar Franz Ferdinand, sintiéndolo verdaderamente en el alma por Nada Surf (¿qué mente perversa ha decidido los horarios de hoy?).
Y lo de Franz Ferdinad es de otra dimensión: desde el primer segundo hasta el último el concierto es un espectáculo insuperable, el público totalmente entregado (¿30000 personas?) a un rock ‘n roll superior, demoledor, fiestero, ¿hemos vuelto a los setenta? Retumba el escenario con The Fallen, seis baquetas golpean a la vez la batería, This Boy nos deja a todos roncos, las guitarras suenan imposibles, ¡si hasta nos ponemos tiernos con Matinee!… Se le podrán encontrar peros a sus discos de estudio, pero durante el concierto tenía la agradable sensación de asistir a los primeros pasos de un supergrupo con mayúsculas, con el mejor directo del momento sin ninguna duda. Take me Out y Do you want to, absolutamente indescriptibles, revientan el festival, uno de los mejores conciertos a los que nunca he asistido. Me dejan con la boca abierta durante horas…
Y tras este monumento rockero, volvemos al mundo sintetizado. Todavía alucinado, entro en la carpa electrónica para escuchar a 2manyDj’s; esto es un no parar: menudo show que tenían montado estos dos. El gozo no tiene fin esta noche, las remezclas de Daft Punk y The Prodigy, el sudor, la sonrisa colectiva,… aunque parezca otra cosa se trata de música en estado puro. Alex Smoke mantiene el momento, hasta cierto punto. Mi mente quiere escuchar a Hell, pero el cuerpo ya ha tomado una decisión irrefenable…a la “cama”.
Un día memorable. Y tiene que ser hoy el día en que se me olvida la cámara…
Esta vez el lleno es total. Exageradamente lleno. Demasiado lleno. Casi sin dormir por el calor, recuperamos fuerzas en la playita (media hora caminando) y comienza de nuevo nuestro festival con The Walkmen. Un grupo que no está mal, le echa pasión…pero no me convencen. El “rock adulto” siempre me ha resultado un poco aburrido, la verdad. Cambiamos al escenario verde y nos encontramos con The Futureheads. Nueva sorpresa agradable. Una auténtica descarga de adrenalina, un sonido más punkarra de lo esperado, sin mucha calidad pero con mucha energía y buen rollo con el público, algo que se echa en falta a menudo.
Es la hora de cenar… ¡y vamos a llegar tarde a los Pixies! Muchas prisas, muchísima gente, mucho calor, mucho agobio… tras 3 canciones, el concierto se detiene. Problemas en las primeras filas, una avalancha. Tras media hora de parón, el concierto sigue, sin ganas, sin chicha, con los grandes temas metidos con calzador. Me decepcionan notablemente. Eso sí, el gustito de escuchar seguidas Where is my mind, Here comes your man y Debaser no me lo quita nadie.
Empiezan Echo & The Bunnymen, sin interés para nosotros, por lo que procedemos a una parada etílica. Llegamos para el plato fuerte… ¡The Strokes! Un concierto genial, con mucha habilidad, pero muy breve, no más de 50 minutos. Grandes momentos con Is this It y Last Nite. Quizás nos faltó verlo más de cerca, vivirlo un poco más, es posible, pero la sensación, aun siendo muy buena, me deja un poco frío…
Nos vamos un ratito a la carpa Vodaphone, a escuchar un poquito de música enlatada, pero muy bien elegida. Volvemos para ver terminar a Manta Ray.
Y ahora, empieza la noche electrónica, con Ellen Alien & Apparat. Los alemanes emocionan con la sesión, con un techno potente pero también melodioso, y la diversión es total, disfruto como un enano. Después viene EL PERSONAJE de la jornada: Namosh, un tipo con sombrero mafioso y en calzoncillos “marianos” pegando botes por el escenario mientras Le Hammond Inferno, también alemanes, pinchan un electro bastante curioso…Las horas caen una tras otra sin darme cuenta, y tras un buen rato contemplando el espectáculo, nos dirigimos al escenario electrónico para ver a Green Velvet. “Mezcla de funky con techno”, dice el programa del festival… ¿Dónde coño está el funky? Es una tralla bestial, para dejarte exhausto, pero tiene su puntito divertido… Aguantamos hasta el final, y empieza Michael Mayer, y en la otra carpa Nathan Fake, pero yo ya estoy finiquitado… me retiro pasadas las seis y media, y caigo en la tienda como un saco de patatas.
Aquí comienza mi visión apasionada, resacosa y totalmente parcial de mis vivencias musicales, junto con Guillermo, el maño, en el festival de Benicassim del 2006. Los cuatro capítulos se escribieron en su mayoría en momentos de descanso posteriores a cada uno de los días, y con un déficit de sueño preocupante, por lo que he tenido que hacer algún que otro retoque para que no se parezcan demasiado a los balbuceos y desvaríos de un loco legañoso, pues eso es en realidad lo que son. Lo intentaré suministrar a pequeñas dosis, para que sea más llevadero. Y es que cuando alguien tiene experiencias de este tipo, lo que más le apetece es contarlas. Espero que os gusten.
CAPÍTULO I
Tras una mañanita playera de ansiosa espera, el FIB arranca. El primer día, de calentamiento, sin grupos estrella, tiene una ventaja: no hay coincidencias de cartel, no hay decisiones dolorosas que hacer. Y por fin comienza, y comienza mal, con un absolutamente intrascendente Aldo Linares. Eso sí, nos sirve para comprobar la impresionante acústica del recinto, de sobresaliente alto. Tras Linares llega la primera sorpresa agradable, Sr. Mostaza, unos poperos completamente desconocidos para mí con un sonido simpático, fresco, y en ocasiones rockero. Luego aparece Teitur, un cantautor finlandés con aires de Beck… aburridísimo. La excusa ideal para irse a cenar; con la calma nos perdemos a Tom Verlaine, ex de Televisión. Volvemos a tiempo para ver a The Sunday Drivers, grupo español de rock alternativo bastante chulo, pero el uso del inglés patatero los lastra irremediablemente. Más adelante, los primeros sonidos de Howe Gelb nos hacen huir despavoridos, casi sin darle oportunidad, a por un buen trago.
Y por fin, The Scissor Sisters. Gracias a un gran concierto hace dos años aquí en el FIB, vuelven como cabeza de cartel. ¿Cumplen las expectativas? Ya lo creo: un concierto absolutamente genial, eléctrico, rebosante de energía, calidad, sensualidad, simpatía… el primer gran éxtasis musical del festival. Con una estética glam y un sonido que en ocasiones recuerda a Jamiroquai, The Velvet Underground, y punk setentero, Scissor Sisters conquistan el escenario llevándose para casa una tremenda y merecidísima ovación. Superan con creces lo esperado. Se han ganado un nuevo fan. Un conciertazo que puede resultar irrepetible en todo el festival. A pocos minutos del orgasmo, entra como una ametralladora Erol Alkan, con un techno realmente pegadizo, con pinceladas de house. Sirve para alargar un poquito más el gran momento, y para disfrutar de 20000 personas bailando y disfrutando de la música sin parar... Cuando el amigo Erol se pone machacón machacón, es el momento de retirarse.
The black and green scarecrow as everyone knows Stood with a bird on his hat and straw everywhere. He didn't care. He stood in a field where barley grows.
His head did no thinking His arms didn't move except when the wind cut up Rough and mice ran around on the ground He stood in a field where barley grows.
The black and green scarecrow is sadder than me But now he's resigned to his fate cause life's not unkind - he doesn't mind. He stood in a field where barley grows.
The Scarecrow. Syd Barret & Pink Floyd
"Tras pelear durante años con las secuelas de las drogas y con la diabetes, Syd Barret murió pacíficamente el 7 de Julio de 2006, a la edad de 60 años"
Primer single de In Flames de su nuevo disco Come Clarity. Vuelven a sus orígenes, con mucha más madurez, tras un flirteo titubeante por la música más comercial y accesible. Todo eso ya se acabó. Atención a la batería, atronadora, espectacular: el doble bombo, ¿es triple, o cuádruple…?
Y después de esto… ¿todavía piensas que Linkin Park son unos tipos duros, que tocan bien? Ya está bien de medias tintas: la rectificación que supone el Come Clarity de los suecos representa todo lo que el nu-metalnorteamericano nunca podrá llegar a ser:
Para mí una Voll – Damm y ¿donde está Ibai? y vamos a cenar ya y otra Voll – Damm y voy al baño y aquí está Ibai y qué buen ambiente y no, no quiero entradas y no, no quiero entradas yno, no quiero entradas y estos se van a comer toda la reventa y ¿podremos colarnos abajo? y creo que voy a pillar otra lata de cerveza y ¿cachean a la puerta? y ¿qué hago con la cámara? y ya sabes dónde la voy a guardar y madre mía ¡qué tatuaje! y joder, al final no cachean y ¡ya estamos dentro! y ¿nos metemos en la pista? y ¿pero qué telonero es éste? y necesita canciones de otros para que la gente se mueva y me parece que va a haber que saltar y ¡hay que colarse como sea! y ¿probamos por el lado? y ¡eureka! y pues al final ha sido muy fácil y ¿vamos a por más cerveza? y un litro para cada uno, ¿no? y ¿los demás no han saltado? y vamos más cerca del escenario y ¿ya es la hora? y ya sabes que media hora de retraso es segura y esto está hasta arriba y ¡ya están aquí! y Can’t Stop y ¡qué chulas las luces! y ¡Dani California! y ¡qué calor! y mira cómo bota Flea y ¡Scar Tissue! y Mercedes, lo habrás visto bien desde arriba, ¿no? y Throw away your TV y Charlie y me parece que van a tocar Hey oh y ¡te lo dije! y ¡Frusciante es el puto amo! y creo que los de atrás me odian y con tanto salto me va a salir la cerveza por las orejas y¿Iñigo, más cerveza? y Especially in Michigan y ¿qué dice de su cabeza? y Tell me Baby y la de delante te va a matar y Wet Sand y ¡By the Way! y ¡Under the Bridge! y ¡Dios mío, es Give it Away! y…¿ya está?, ¿¡Cómo que ya está!?...
Un buen concierto, las canciones nuevas suenan definitivamente mejor en directo, pero se echaban de menos alguna más de la etapa Blood Sugar Sex Magik. En cuanto a la duración, es lo que ha convertido un concierto que podría haber sido magnífico en un buen concierto. Hora y media para el primer concierto de la gira mundial, con casi veinte mil personas, me parece muy escaso.En cualquier caso, tienen buen directo, pero sin el toque gamberro que tenían antes (esto último lo digo sin conocimiento de causa in situ). Les faltó quizás también algo de conexión con el público. Eso sí, su calidad como músicos es innegable, especialmente Frusciante. No defraudó, pero pudo estar aún mejor si tan sólo lo hubieran estirado media hora o tres cuartos.
Lo mejor de todo, aparte por supuesto de la compañía, el ambiente de macroconcierto, desde las 7 de la tarde. Eso es impagable. Me encanta la música en directo.
Casi dos mil días, y no diez mil, ha tardado en recordarnos Tool el por qué están etiquetados como grupo de culto. Más progresivo, igual de emotivo, igual de brillante. 10000 days está cubierto de densas atmósferas, de grandes melodías, metálicas y distorsionadas. Un nuevo disco que los vuelve a encumbrar en lo más alto – con permiso de Trent Reznor y sus uñas de nueve pulgadas – de un estilo tan poderoso, complejo e inaccesible como el rock industrial.
En este nuevo lanzamiento se encuentra uno de los mejores temas de su discografía:
Estaba esperando con mucha expectación este nuevo disco de los Red Hot Chili Peppers, pues, a pesar de las críticas de muchos tras su cambio de rumbo con Californication y By the Way, yo creo que fue un gran acierto. Un disco doble, además, suele resultar el trabajo más elaborado y ambicioso de un grupo durante toda su carrera. Y tras ver y oír el primer single, Dani California, realmente me sentía bastante ilusionado. Pero no ha sido como esperaba. A pesar de que yo creo que es un disco de buen nivel, suena demasiado repetitivo. No parece que aporte nada nuevo a lo que consiguieron hace unos años, y, sobre todo, ¿eran necesarias 28 canciones para contarlo? Es verdad que hay canciones que son realmente buenas, como Especially in Michigan, Readymade o C’mon Girl, pero ninguna alcanza la calidad de Dani California; es cierto que se le da un gran protagonismo a la guitarra que tan habilidosamente toca un renacido Frusciante, pero aparte de habilidad es necesario algo de gracia para no resultar monótono (y también ser muy productivo para componer tantas canciones). Y es que el disco se hace largo, tremendamente largo, y acaba perdiendo el interés por completo, tras más de 10 o 12 canciones de relleno, fotocopiadas una de la otra, con una estructura completamente idéntica…
- Déjame adivinar…¿ a que la canción termina con un punteo? - Eres un hacha, ¿cómo lo has sabido? - …
Es posible que sea uno de esos discos para los que se necesite tiempo de digestión y más adelante se disfrute de él…pero lamentablemente, lo dudo mucho.
Da la sensación de que Blinking lights and other revelations es un grandes éxitos de Eels. Pero no lo es; esto es material totalmente original. En este doble álbum con 33 canciones se resume toda la trayectoria musical del grupo, con algunos de sus mejores momentos.
Se puede encontrar la profunda tristeza en clave de nana de su primer disco, Beautiful Freak, en canciones como Checkout Blues o en una estupenda If you see Natalie.
También se oyen las melodías tan cuidadas y canciones perfectamente estructuradas del que probablemente sea su mejor trabajo después de éste, Electroshock Blues, con algunas de, a mi parecer, algunas de las mejores canciones del disco (Railroad man, Old shit/New shit, y por supuesto, Hey man (Now you´re really living)). Las influencias de su álbum más pop, Daisies of the galaxy, se notan en From which I came / a magic world, Lick your boots, Blinking lights (for me) y en una melancólica Whatever happened to Soy Bomb:
Was it really worth it all that shit?
Finalmente, se puede escuchar el sonido más bluesero de Souljacker, posiblemente su disco más confuso, en Trouble with dreams y Mother Mary.
Mezclado con pequeñitas canciones instrumentales de relleno, algunas de ellas bastante interesantes, también se encuentran cortes con un estilo diferente, como Losing streak y Things the grandchildren should know.
Pero donde creo que se encuentra la obra maestra del disco es en la desgarrada I’m going to stop pretending that I didn’t break your Heart que, sinceramente, consigue ponerme los pelos de punta…
Por supuesto, en un disco tan largo, también hay temas horriblemente aburridos, a pesar de las letras (Son ofa Bitch, Ugly love y The Stars shine in the sky tonight). Como recientemente dijo Berlusconi, "no todo el monte es orégano…" Instrumentalmente muy originales, con unas letras con una gran fuerza, ironía, cinismo y, sobre todo, tristeza, sin conesiones, evitando magistralmente la insoportable ñoñería que se respira en las composiciones de Travis, Keane y tantos otros; si no los has escuchado y tienes ganas de descubrir un nuevo grupo, te lo aseguro, éste es el momento y éste es el disco apropiado. Y si ya los conoces, prepárate para escuchar lo mejor que ha hecho hasta ahora Mark Oliver Everett, el freak más creativo, el señor Mr. E.
I'm gonna tell you what you need to hear And i'm a little too late By three or four years And it may not make much sense Now that we are apart But i'm going to stop pretending That i didn't break your heart You see i never thought enough of myself To realize that losing me could mean Something like the tears in your eyes And i want to tell you i'm sorry And it's too late to start But i'm going to stop pretending That i didn't break your heart And it's christmas eve Years down the line Sitting here wishing i'd treated you better When you were mine And i have no way of knowing where you are But i'm going to stop pretending That i didn't break your heart I didn't mean to hurt you I didn't know what i was doing But i know what i have done
El 9 de Mayo ya está más cerca… Para los impacientes, aquí está Dani California, el primer single de Stadium Arcadium, el nuevo disco de los Red Hot Chili Peppers. Con un video tronchante, parodian a Elvis, The Misfits, Prince, The Sex Pistols, Europe, The Beatles, Nirvana, David Bowie, Marc Boland, Bootsy Collins…
Con el retraso habitual en todo concierto que se precie, el divertido riff de Bohème empezó a retumbar en la Bikini de Barcelona, marcando el inicio del espectáculo andrógino-glamouroso propuesto por Sidonie en la noche del 21 de Abril, muy bien acompañados por Baldo, teclista de Love of Lesbian, y por el percusionista Dídac.
No se puede negar que montaron un numerito divertido y bastante profesional, destacando a un entonadísimo Axel Pi en la batería y en sus convulsos bailes, y exceptuando el colocón del que en ocasiones hacía gala el bajista Jesús Senra y que, sin embargo, no le impidió tocar con muy buena habilidad durante la mayor parte del concierto.
No hubo excesivas sorpresas en las canciones que interpretaron, de forma bastante fiel y con pasión algunas de ellas. Los grandes momentos se alcanzaron por supuesto con sus canciones más conocidas, como Joe, Bla bla bla, On the sofa y Tienes gracia. Los momentos más flojitos del concierto, en mi opinión, fueron la versión acústica de Jardín polar, en la que pareció que Marc Ros tocaba con bastante desgana una balada que por otro lado a mí me parece muy muy flojita, y Fascinado, que me pareció de todo menos fascinante, a pesar de ser una de mis canciones preferidas.
Eso sí, yo me quedaría sin dudarlo con el fabuloso “solo” de percusión y teclados, con esas atronadoras baquetas golpeando los desnudos ladrillos de la sala, y el divertidísimo espectáculo carnavalesco, con Marc como maestro de ceremonias, reina de la fiesta, o como se quiera llamarlo… también momentos destacables fueron el mini concierto acústico de Marc y Jesús sentados en el mismo suelo de la sala y, como no, el entrañable sitar de Senra, además del personal homenaje a Syd Barret en La gente de Barret. En resumen, un concierto bastante entretenido y recomendable.
Hace 5 o 6 años, con un solo disco en el mercado, Dragonfly, tuve la suerte de verlos en un concierto en Zaragoza, en la Lata de bombillas, mucho más personal (no éramos ni 50 personas), y del que eché de menos el viernes la genial versión de Get it on de T - Rex y ese gran tomate gigante moviéndose por el "escenario"...
